Interview: Daniel Dettwiler
Lernen Sie Daniel Dettwiler kennen – renommierter Tonmeister, Dozent an hochrangigen Bildungseinrichtungen und vor allem: Ein Musikliebhaber mit der Mission, den bestmöglichen Klang zu finden. Egal, ob Daniel in international anerkannten Studios wie Abbey Road oder Air Studios, oder von seinem eigenen Standort außerhalb von Basel in der Schweiz arbeitet, seine Weltklasse-Fähigkeiten werden von seinen Recording Kunden, Studenten und professionellen Audio-Kollegen, wie George Massenburg und Al Schmitt belegt.
Es ist nicht ungewöhnlich, dass Musikstudios in umgebauten Räumen und Gebäuden untergebracht sind, die ursprünglich für ganz andere Aktivitäten gedacht waren. Studios werden oft in alten Büros, Fabriken, Kinos, Lagerräumen oder ähnlichem eingerichtet.
Sehr viel seltener werden Musikstudios jedoch in umgebauten Schwimmbädern eingerichtet. Doch genau das ist die Hintergrundgeschichte des Mixing- und Mastering-Studios von Daniel Dettwiler. Als Daniel und seine Familie in ihr Haus in der Nähe von Basel in der Schweiz zogen, begannen die Arbeiten, um das Schwimmbad in ein Mixing- und Mastering-Studio der Spitzenklasse umzubauen.
Ich war der Meinung, dass sich die Form des Pools hervorragend für ein Mixing-Studio eignen würde, und mein Akustik-Ingenieur fand das auch. Die Bauarbeiten haben von Anfang bis Ende über ein Jahr gedauert, aber das Ergebnis ist großartig, und ich hätte mir keine bessere Mixing- und Mastering-Umgebung als diese wünschen können.
HINTERGRUND
Daniel Dettwiler ist niemand, der sich vor Unkonventionellem scheut, und es macht ihm nichts aus, weit verbreitete Ansichten über Musikaufnahmen und -abmischungen – oder über die Audioausbildung – in Frage zu stellen. Der Weg, der ihn zu seiner jetzigen Position als prominenter Tonmeister und Professor für Musikaufnahmen führte, ist jedoch eher typisch. Daniel wurde 1974 geboren und begann im Alter von sieben Jahren mit dem Klavierunterricht. Als Teenager begann er sich für Aufnahmentechniken zu interessieren und investierte in ein Fostex-Mischpult und einige Synthesizer.
Ich war mir nicht sicher, ob ich Musiker, Produzent oder Tonmeister werden wollte. Ich lernte viel, indem ich Songs, die ich liebte, mit meinen Synthesizern nachspielte, aber ich entdeckte bald, dass mich das Mischen am meisten interessierte. Ich rüstete auf eine Mackie 8-Bus-Konsole auf, was damals eine große Investition für mich war. Von da an ging es Schlag auf Schlag. Ich studierte Audiodesign, eine Kombination aus Tontechnik und Musik. Ich bin zwar begabter, wenn es darum geht, die Musik anderer Leute zu mischen, als Komponist oder Musiker zu sein, aber ich sehe mich sehr als Musiker, wenn ich hinter dem Mischpult stehe. Ich kenne mich mit der zugrundeliegenden Technik überhaupt nicht aus, wie zum Beispiel mein guter Freund Eric Valentine. Er hat nicht nur ein sehr musikalisches Gehör, sondern kann auch Mischpulte und Equalizer buchstäblich selbst bauen. Darum kann ich ihn beneiden. Es wäre schön, wenn ich wenigstens kleine Reparaturen selbst durchführen könnte. Für mich geht es beim Aufnehmen und Abmischen vor allem darum, ein musikalisches Gehör zu haben, und darum, musikalische Entscheidungen zu treffen.
Daniel besitzt eigentlich zwei Studios, er hat auch ein Tonstudio, das zentraler in Basel liegt.
Der Schweizer Stil
In einem kleinen Land wie der Schweiz zu arbeiten, kann eine Herausforderung sein, und Ingenieure aus Ländern wie den USA und dem Vereinigten Königreich haben den großen Vorteil, dass sie sich genau dort befinden, wo ein Großteil der Musik der Welt gemacht wird.
– In der Schweiz gibt es natürlich keine internationalen Stars wie Diana Krall und dergleichen. Es gab auch keine Star-Ingenieure in der Nähe, von denen ich lernen oder bei denen ich ein Praktikum machen konnte, also musste ich mich wirklich reinhängen und alles selbst lernen. Aber das hat auch einen Vorteil, nämlich dass ich eine eigene klangliche Handschrift entwickelt habe. Wahrscheinlich mache ich die Dinge anders als viele andere Ingenieure.
Eines der Dinge, die Daniels klangliche Handschrift ausmachen, ist sein ausgeklügelter Einsatz von Hall.
– Meine Mixe haben immer eine große Tiefenschärfe. Selbst in der Popmusik gibt es keinen Grund, auf eine klare Inszenierung zu verzichten. Bei einer Pop-Mischung würde ich zwar einen kürzeren Hall verwenden als beim Jazz, aber trotzdem muss der Hall da sein, um die Dinge in der Front-to-Back-Ebene zu positionieren. Ich halte mich an eine Regel, die besagt, dass keine zwei Instrumente dieselbe Position in der Seite-zu-Seite- oder Vorderseite-zu-Rückseite-Ebene einnehmen dürfen, alles muss seinen eigenen definierten Raum haben. Ein weiterer Punkt ist, dass der Zuhörer bei meinen Abmischungen immer vom Klang umarmt wird. Der Mix muss den Eindruck eines Klangraums erwecken, der über die Lautsprecher hinausgeht. Meine Spezialität ist es also, immer super tiefe und super breite Mischungen zu erstellen. Ich beginne immer mit den Rohspuren und höre sie mir genau an, um festzustellen, wie gut sie aufgenommen wurden und ob irgendetwas korrigiert werden muss, anstatt kreativ zu mischen. Es ist ein großer Unterschied, ob man mit Tracks arbeitet, die in der Abbey Road oder in einem anderen Studio dieses Kalibers aufgenommen wurden, oder ob man mit Tracks aus kleineren Studios arbeitet, die immer klein und kastenförmig klingen. Das ist also eine Situation, in der ich mich etwas mehr anstrengen muss, um Mischungen zu erstellen, die so tief und breit sind, wie sie meiner Meinung nach sein sollten.
Abgesehen davon, dass Daniel immer tiefe und breite Mischungen erstellt, hält er sich für stilistisch vielseitig und gehört nicht zu den Tontechnikern, die eine ausgeprägte klangliche Handschrift haben. Daniel passt sich immer der Musik an, an der er gerade arbeitet. Das bedeutet auch, dass Daniel mit einer breiten Palette von Musikstilen gearbeitet hat, wie z. B. Klassik, Jazz, moderner Pop, Filmmusik und sogar etwas R&B.
– Ich genieße den Prozess, herauszufinden, was ein Song wirklich braucht, und das hinzuzufügen. Ich denke, ich könnte mit den meisten Musikstilen arbeiten. Vielleicht nicht mit Metal, obwohl das interessant wäre! Heutzutage arbeite ich hauptsächlich mit Jazz, auch weil die Budgets etwas höher sind als bei Pop-Mixen. In der Popwelt konkurriert man mit Toningenieuren, die ganze Mixe in vier Stunden auf ihren Laptops machen, nicht weil sie faul sind oder keine Ahnung haben, sondern weil der Preisdruck sie dazu zwingt, so zu arbeiten. Sie können es sich nicht leisten, ein richtiges Studio wie meines zu haben und sich die Zeit zu nehmen, die die Stücke verdienen. Das Abmischen von Jazz ist etwas ganz anderes, man kann leicht eine ganze Platte in ein paar Tagen abmischen. Wenn man erst einmal die Grundeinstellungen am Mischpult und das Outboard-Equipment eingerichtet hat, kann man das für die gesamte Produktion verwenden und nur noch ein paar Pegel verändern oder bei Bedarf andere Automationen hinzufügen. Mit klassischer Musik ist es genauso. Für die Filmmusik, an der ich arbeite, meist deutsche Produktionen, habe ich in der Regel ein Budget von 3-7 Arbeitstagen. Das ist viel weniger als bei den großen amerikanischen Filmen, aber es ist machbar.
Manche Toningenieure machen eine scharfe Trennung zwischen Abmischen und Mastern und machen nie beides – jedenfalls nicht bei denselben Projekten.
– Ich halte das für einen dummen Ansatz. Sicherlich ist es von Vorteil, wenn man spezialisiert und fokussiert ist. Viele Mastering-Ingenieure sind im Vergleich zu Mixing-Ingenieuren eher technologieorientiert. Aber ich habe 30 Jahre lang sowohl gemischt als auch gemastert, und ich hatte nie das Gefühl, dass das ein Problem ist. Ich betrachte mich als Spezialist für die Klangverbesserung, egal ob es sich um eine einzelne Spur, einen Drum-Bus oder einen kompletten Mix handelt. Allerdings mache ich selber auch keine Musikaufnahmen oder produziere Musik.
ARBEITEN MIT weiss
Die Schweiz ist vielleicht nicht das größte Land in Bezug auf Künstler und Tonmeister, aber es gibt mehrere Marken, die High-End-Aufnahmegeräte herstellen. Studer, PSI Audio, und natürlich Weiss Engineering. In einem so kleinen Land wie der Schweiz kennen sich die meisten Leute in einem Nischenmarkt, wie dem High-End-Audiobereich, untereinander. Daniel ist schon seit Jahren ein geschätzter Freund. Es waren vor allem Digital-Analog- und Analog-Digital-Wandler, die Daniel Dettwiler und Weiss Engineering zusammengebracht haben.
– Ich war wahrscheinlich etwa 25 Jahre alt, als ich zum ersten Mal erkannte, wie wichtig Wandler für den Klang sind. Zu dieser Zeit klangen die meisten Wandler miserabel. Nur wenige Hersteller wussten, wie man gute Wandler herstellt, aber ich bekam einen 18-Bit-DAC von Weiss Engineering, der für seine Zeit großartig war. Anfangs war ich nicht in der Lage, die Unterschiede zwischen dem Weiss-Wandler und billigeren Wandlern zu erkennen. Ich war damals Student, und mein Lehrer stellte mir Blindtests auf, die ich nicht bestanden habe. Aber nach einigem Gehörtraining war ich in der Lage, die Unterschiede herauszufinden, und ich bestand den Blindtest jedes Mal.
Was ist also ein Qualitäts-DAC für Daniel?
– Wandler sind ein heikles Thema. Wenn man nur die Messwerte betrachtet, kann der Unterschied zwischen einem billigen und einem teuren Wandler unbedeutend erscheinen. Aber ein guter Wandler bewahrt die physische Integrität der Instrumente. Das Gewicht der Klangquellen ist einfach realer und natürlicher. Darüber hinaus bleiben auch Tiefe und Breite erhalten. Die Klangbühne ist bei guten Wandlern größer. Es ist ein Rätsel, warum es so schwierig ist, die Unterschiede mit Messungen zu erfassen, aber jeder gute Tonmeister wird den Unterschied nach Gehör erkennen können, sogar in Blindtests. Ein sehr hilfreicher Test ist die Suche nach einer guten klassischen Aufnahme, bei der Oboe und Fagott unisono spielen. Bei billigeren Wandlern kann es fast zu einem Flanging-Effekt kommen, von dem man annimmt, dass er ein natürliches Phänomen ist. In der Realität oder bei der Aufnahme und Wiedergabe mit exzellenten Wandlern ist dieser Effekt jedoch nicht vorhanden.
Als Weiss Engineering seinen DAC1 Mk 2 auf den Markt brachte, probierte Daniel ihn aus – war aber nicht ganz überzeugt.
– Er klang großartig, mit guter spektraler Balance und physikalischer Integrität. Allerdings hatte ich das Gefühl, dass die Tiefenschärfe nicht perfekt war. Ich bestätigte dies mit einem Mastering-Ingenieur-Kollegen, um sicherzugehen, dass ich mir das nicht nur einbildete. Deshalb habe ich das Gerät schließlich zurückgegeben. Daniel Weiss sagte, er könne sich mein Gefühl der fehlenden Tiefenschärfe nicht erklären, und hatte in dem Moment keine Idee, um den Klangeindruck zu verbessern.
Ein paar Jahre vergingen, und schliesslich rief Daniel Weiss Daniel Dettwiler an, um ihm mitzuteilen, dass er nun einen DAC1 Mk 3 zur Verfügung habe.
– Er wollte mir vorher nicht sagen, was der Unterschied war! Er wollte, dass ich ihn ausprobiere und meine unvoreingenommene Meinung äußere. Also probierte ich ihn aus. Meine Meinung war, dass der DAC1 Mk 3, der DAC mit der größten Tiefenschärfe war, die ich je von einem Wandler gehört hatte. Ich rief Daniel Weiss an, um ihn zu fragen, was er gemacht hatte, und er erklärte mir, dass er auf der digitalen Seite kaum etwas verändert habe, aber die analogen Sektionen komplett neugestaltet sei. Das fand ich sehr interessant. Als ich dann mein Mix- und Mastering-Studio baute, kaufte ich den DAC1 Mk 3 und verwende ihn für mein gesamtes Monitoring.
Daniel Dettwiler steht immer noch in regelmäßigem Kontakt mit Weiss Engineering und hat über die Jahre hinweg einen umfangreichen Beitrag zum Design geleistet. Zuletzt arbeitete er an frühen Prototypen unseres DAC204 und DAC205.
– Es ist interessant, mit Weiss Engineering zu arbeiten, denn Daniel Weiss selbst ist eher ein technischer Ingenieur. Er sagt halb im Scherz, dass er nur das Engineering macht und sich von anderen sagen lässt, ob die Produkte gut klingen! Heutzutage arbeitet allerdings auch Daniels Sohn Joschka bei Weiss Engineering, und Joschka ist eher ein Mix- und Mastering-Ingenieur wie ich. Er betreibt auch ein Studio. Wir teilen eine Leidenschaft für Musik. Daniel und Joschka Weiss ergänzen sich also sehr gut.
Professor Dettwiler
Daniel Dettwiler ist nicht nur selbst leidenschaftlicher Klangtüftler, auch das Unterrichten von Tontechnik ist ein wichtiger Teil seines Alltags. Er ist Professor und unterrichtet an zwei verschiedenen Schweizer Universitäten. Über seine Website www.danieldettwiler.com bietet er auch Online-Kurse an.
– Ich leide, wenn ich schlechte Aufnahmen und Abmischungen höre. Es ist schrecklich, verschiedene Playlists mit tollen Songs und musikalischen Darbietungen zu hören, die nicht so gut klingen, wie sie könnten. Abmischen und Aufnehmen erfordert Training, Ausbildung und viel Übung. Ich bin der Meinung, dass die Ausbildung den Prozess, ein guter Tonmeister und Mischer zu werden, deutlich beschleunigt. Ich unterrichte also gerne, weil ich bessere Aufnahmen hören möchte!
Daniel hat schon recht früh angefangen zu unterrichten. Die Jazzschule an der Musik-Akademie Basel stellte fest, dass viele ihrer Studenten daran interessiert waren, mehr über Jazzproduktion und -aufnahme zu lernen, und beauftragte Daniel, einen solchen Kurs zu konzipieren.
– Als ich anfing zu unterrichten, habe ich schnell gelernt, dass es gar nicht so einfach ist, zu vermitteln, wie man eine gute und vollständige Produktion hinbekommt. Es gibt viele Teile, die zu einer guten Aufnahme und einem guten Mix gehören. Aber mit der Zeit habe ich ein System entwickelt, das es den Schülern leichter macht, das Ganze zu verstehen. Ich strukturiere es um drei Hauptelemente, die für einen guten Mix vorhanden sein müssen: Das erste ist die spektrale Ausgewogenheit, die ziemlich offensichtlich ist. Die Instrumente sollten den richtigen Pegel und Frequenzgehalt im Verhältnis zueinander haben. Das zweite ist, dass die Musik eine gute Tiefenschärfe haben sollte, so dass man den Raum, in dem die Musik existiert, deutlich wahrnehmen kann und dass alle Instrumente ihre eigene definierte Platzierung in den Dimensionen von Seite zu Seite und von vorne nach hinten haben. Und drittens ist es wichtig, dass die physische Integrität der Klangquellen erhalten bleibt. Sie müssen auch dann in ihrer tatsächlichen Größe klingen, wenn die Musik bei niedrigen Lautstärken wiedergegeben wird. Die Zuhörer geben die Musik selten mit dem tatsächlichen Schallpegel wieder, mit dem sie aufgenommen wurde. Wenn Klänge leiser wiedergegeben werden, werden sie auch als kleiner wahrgenommen – es ist also einiges an Arbeit nötig, um die wahrgenommene Größe der Instrumente zu erhalten. Das sind also die Grundlagen des Systems, mit dem ich arbeite. Es gibt noch viele Dinge zu lernen, aber das Erreichen dieser Ziele macht es zumindest einfacher zu analysieren und zu verstehen, welche Probleme man bei einer bestimmten Mischung lösen muss.
Mit diesen Perlen der Weisheit lassen wir Daniel Dettwiler nun zurückkehren, um herausragende Audioaufnahmen zu erstellen und anderen beizubringen, wie man das gleiche tut.